AYAF Artist Film 2014 #두 번 반 매어진 #이윤이

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인사미술공간 Insa art space
AYAF Artist Film 2014 #두 번 반 매어진 #이윤이
Museum & Gallery
2014
 Client 인사미술공간 Insa art space
 Project AYAF Artist Film 2014 #두 번 반 매어진 #이윤이

인사미술공간
2014 AYAF 아티스트 필름
이윤이 개인전 <두 번 반 매어진>
2014.6.20 – 7.27

Insa art space
2014 AYAF artist film
Yunyi Yi <A Round Turn and Two Half Hitches>
2014.6.20 – 7.27

크레딧 보기

제작/후원 : 한국문화예술위원회, 인사미술공간
기획 : 이단지, 이미지(57STUDIO)
진행 : 최유은
촬영/편집 : 57STUDIO

작업 소개

‘2014 AYAF 아티스트 필름 이윤이 편’

57STUDIO는 2014년 인사미술공간에서 열린 이윤이 작가의 개인전 《두 번 반 매어진 / A Round Turn and Two Half Hitches》를 바탕으로 아티스트 필름을 기획 및 제작하였습니다. 본 영상은 한국문화예술위원회 AYAF(Arko Young Art Frontier) 프로그램의 일환으로, 작가의 내레이션과 시적 언어를 중심으로 구성된 작업 세계를 담은 프로젝트입니다.

이윤이는 시를 전공하고 밴드 활동을 했던 경험을 바탕으로 자신의 작업을 ‘영상 조립시’라 설명하며 직접 글을 낭독합니다. 협업 프로젝트 〈나이프, 스푼, 포크〉는 세 명의 작가가 각자의 위치를 유지하면서도 하나의 세트를 이루는 과정을 통해 관계, 분리, 완성에 대한 고민을 반영합니다.

57STUDIO는 작가 특유의 서정성과 협업을 통한 감각의 흐름을 따라가며, 내레이션과 시각적 리듬이 어우러지는 구성으로 아티스트 필름을 완성하였습니다.

‘2014 AYAF Artist Film: LEE Yooni Edition’

57STUDIO planned and produced an artist film based on LEE Yooni’s solo exhibition A Round Turn and Two Half Hitches, held at Insa Art Space in 2014. This film was part of the AYAF (Arko Young Art Frontier) program by the Arts Council Korea and captures the artist’s world through her own narration and poetic language.

With a background in poetry and band performance, LEE Yooni describes her work as “assembled video poetry” and reads her texts aloud in the film. The collaborative project Knife, Spoon, Fork reflects on relationships, separation, and completeness, as three artists form a set while maintaining their individual positions.

Following the artist’s unique lyricism and sensory flow through collaboration, 57STUDIO completed the artist film in a structure where narration and visual rhythm harmonize.

저는 원래 시를 썼고 친구들과 밴드에서 음악을 만들었습니다. 지금도 텍스트와 이미지, 사운드가 얽힌 어떤 시적인 순간을 만드는 데 집중하고 있는데요. 매체가 다를 뿐이지 계속해서 말과 글을 여러 개의 목소리에 담는 점은 변화가 없는 것 같습니다. 영상에서의 글쓰기, 공연의 형태로서의 설치 작업이라고 생각합니다.

I originally wrote poetry and made music with friends in a band. Even now, my focus is on creating poetic moments where text, image, and sound intertwine. Although the mediums have changed, what remains consistent is my effort to embed words and language into multiple voices. I see my practice as a form of writing through video, and my installations as performances in themselves.

‘Maya(not that)’은 제가 멕시코시티에서 레지던시 프로그램을 하고 있을 때 만든 영상 조립 시입니다. 새로운 문화를 접하면서 그곳에 흡수되고 있다고 믿는 타지인으로서의 저의 정체성이 좀 부끄러웠습니다. 그때 제 룸메이트 이름이 마야였고 그 친구는 일본인 어머니와 인도인 아버지 사이에서 태어난 미국인이었습니다. 어느 날 그 친구가 자신에 이름의 어원에 대해 들려주었습니다. 저는 김춘수의 시들이 떠올랐습니다.

“Maya (not that)” is a video-poem I created while participating in a residency program in Mexico City. As a foreigner encountering a new culture, I felt somewhat embarrassed by the belief that I was being “absorbed” into it. At the time, my roommate’s name was Maya—a U.S. citizen born to a Japanese mother and Indian father. One day, she shared the etymology of her name with me, and it reminded me of poems by Kim Chun-soo.

그 시 자체가 이름을 부름으로써 서로에게 존재의 의미가 되는 과정에 대한 거잖아요. 거의 공식같이 우리한테 박혀있다가 외부의 정보로부터 제안에 살아남은 거겠죠. 마야한테 들려주었더니 아름답다고 하더라고요. 결국, 저의 정체성을 이루고 있던 죽은 언어도 누군가에겐 새로울 수 있구나⋯ 흥미로웠습니다. 그래서 그냥 우리가 잠시 잠깐 머무는 이 시간, 서로를 알아가려고 애쓰는 이 공간 자체를 담아봐야겠다고 생각했습니다.
His poetry often explores the process through which calling someone’s name gives meaning to their existence—an idea that’s deeply ingrained in us, almost like a formula, and somehow survived in me through outside influence.

When I shared the poem with Maya, she said it was beautiful. It struck me that even a language I considered “dead” within me could be new and meaningful to someone else. That fascinated me. So I decided to capture this temporary moment we shared, this space where we tried—if only briefly—to understand each other.

우리가 임시로 머물던 거주 공간 자체를 창작을 위한 공간으로 매일 변형하면서 인공적인 마야문명의 유적지들, 예를 들어, 인류학 박물관의 모조 건축물들, 가짜 벽화 등을 배경으로 촬영했습니다. ‘나이프, 스푼, 포크’ 같은 경우도 레지던시 프로그램 중에 만난 세 여성 사이의 영상 협업 작업입니다. 미국 메인 주에 있는 스코히건이라는 여름 프로그램이었는데요. 그곳에서 하루의 일정은 크게 세 번의 공동 식사 시간으로 나뉩니다.

We transformed the temporary living space we shared into a creative site, modifying it daily. The video was filmed against backdrops of artificial Mayan ruins—such as replica architecture in the Museum of Anthropology and fake murals. Similarly, Knife, Spoon, Fork was a collaborative video project created between three women, including myself, during a residency program. It took place at the Skowhegan School in Maine, USA—a summer program where each day was punctuated by three communal meals.

60명에 가까운 작가들이 각각 작업실, 숙소, 도서관 등에 있다가 식사 때가 되면 삼삼오오 들판을 가로질러 호숫가에 위치한 식당으로 모입니다. 마침 춤과 먹는 행위의 연관에 대해 쓴 수잔 손탁의 에세이, ‘그들의 감정을 기리며’를 읽고 있었고 그 글 속에 한 문장, ‘세 사람을 나이프, 스푼, 포크로 가정하고 그들이 한 테이블에 있다면 서로 무슨 이야기를 할까?’에서 셋의 이야기를 시작했습니다.

Nearly 60 artists were spread out across studios, dormitories, and the library—until mealtime, when they would stroll in small groups across the fields to a dining hall by the lake. At the time, I was reading Susan Sontag’s essay In Honor of Their Feelings, which explores the connection between dancing and eating. One sentence stood out: “If three people were imagined as a knife, spoon, and fork sitting at the same table, what kind of conversation would they have?” That line became the starting point for our story as a trio.

저는 하나의 이야기를 시작할 때 그들의 내러티브에 대한 호기심으로 가벼운 인터뷰를 먼저 진행합니다. 레일라에게 그녀가 페인팅에서 주로 쓰는 푸른 색조와 강박적인 선들에 대해 질문하다가 그녀가 어렸을 때 사진을 통해 보곤 해서 기억하는 것 같다는 파란 원피스에 관한 이야기가 흥미로웠습니다. 기억이 보는 것과 말하는 것을 반복하면서 다시 재조립된다는 점이요.

When I begin developing a story, I usually start with a casual interview driven by curiosity about their narratives. I asked Leila about the bluish tones and obsessive lines that often appear in her paintings, and she mentioned a blue dress she remembers seeing in photos as a child. I found that particularly interesting—the way memory gets reassembled through the repeated acts of seeing and speaking.

일시적인 경험을 스토리텔링의 연장으로 고민하던 저에게 ‘나이프, 스푼, 포크’의 협업 작업은 어떻게 세 사람이 개별적으로 위치하면서 하나의 세트가 되어 서로를 먹이고 채우고 완성하는지에 관한 일종의 워크숍입니다.

or me, who was contemplating ephemeral experiences as an extension of storytelling, the collaborative project Knife, Spoon, Fork became a kind of workshop—an exploration of how three individuals, each situated in their own position, come together as a set to nourish, complement, and complete one another.

Archive Note

전시 소개 글

35세 이하 시각예술가들에게 창작발표의 기회를 제공하는 ‘아르코 영 아트 프론티어’ 지원사업은 올 한 해, 다섯 명 작가의 개인전을 지원하는 형식으로 추진됩니다. 지난 배윤환 개인전에 이어 두번째로 이윤이 개인전을 오는 6월 20일 부터 7월 18일까지 인사미술공간에서 개최합니다.

이윤이는 본인이 겪었던 감정적,문화적,사회적 관계들을 기념하기 위한 시도로 사운드와 이미지, 텍스트가 혼합된 ‘이야기하기(Storytelling)’를 영상,설치의 실험을 통해 보여줍니다. 작가는 일반적으로 미술 전시장에서 비디오 작품을 상영하는 블랙박스의 형태를 벗어나, 실제 악기(하모니움 혹은 풍금)를 전시장 문과 뒤바꾸어 전시장 전체를 하나의 악기에 진동상자로 확장합니다. 공간의 확장 속에서 관객은 수동적인 관람자의 형태를 벗어나 영상물과 구조물들 사이에서 악기를 연주하는 극의 수행자로 참여하기도 합니다.

출처 : 한국문화예술위원회 홈페이지

The Arko Young Art Frontier grant program, which provides opportunities for visual artists under the age of 35 to present their work, is supporting five solo exhibitions throughout this year. Following Bae Yoon Hwan’s exhibition, the second show in the series is LEE Yooni’s solo exhibition, which will be held at Insa Art Space from June 20 to July 18.

LEE Yooni uses sound, image, and text in her experimental practice to explore “storytelling” as a way to commemorate emotional, cultural, and social relationships she has experienced. Breaking away from the conventional black box format commonly used for video works in art galleries, she reconfigures the exhibition entrance into a musical instrument (a harmonium or reed organ), transforming the entire gallery into a resonating chamber for sound.

Within this expanded spatial structure, viewers move beyond passive spectatorship to become performers in the theatrical setting, interacting with the video and sculptural elements by playing the instrument.

Source: Arts Council Korea (ARKO) Website.