작업 소개

‘아시아’가 오늘날 어떤 의미를 가지는지, 그리고 오늘에 대해 이야기하는 관점과 태도를 탐구하는 아시아예술극장은 이 질문들의 중요성을 인식하고 다양한 목소리를 모아 국가와 문화를 초월한 소통을 도모하였습니다. 개관 페스티벌은 이러한 비전과 방향성을 집약하는 축제로, ‘아시아 동시대 예술’을 새롭게 정의하는 꾸준히 갱신되는 대화의 장입니다.

개관 페스티벌의 사전 프로그램으로, 서울 두산아트센터와 공동 주관한 컨템포러리 토크 행사를 진행했습니다. 이 행사는 페스티벌에 참여하는 아티스트, 평론가, 기획자들이 모여 현재의 아시아, 예술, 문화, 사회에 대해 대화를 나누는 자리입니다. 수년이 지난 지금까지도 유의미한 대화가 남아 있는 소중한 아카이브로, 57STUDIO는 토크의 하이라이트 영상 기획과 편집을 진행하였습니다.

The Asia Arts Theater, which explores what ‘Asia’ means today and the perspectives and attitudes towards discussing the present, recognized the importance of these questions and fostered communication that transcends nations and cultures by bringing together diverse voices. The opening festival is a celebration that encapsulates this vision and direction, serving as an ever-evolving forum that redefines ‘contemporary Asian art.’

As a preliminary program for the opening festival, we co-hosted a contemporary talk event with the Doosan Art Center in Seoul. This event was a gathering where artists, critics, and curators participating in the festival came together to discuss contemporary issues in Asia, art, culture, and society. The meaningful conversations from this event have been preserved as a valuable archive to this day, and 57STUDIO planned and edited the highlight videos of this talk.

프로젝트 내용

컨템포러리란 무엇인가.
예술가의 동시대성은 무엇인가.

‘컨템포러리 토크’는 동시대 공연예술계를 이끌고 있는 예술가, 프로그래머, 큐레이터의 현재 고민과 비전을 들어보는 무료강연 프로그램이다. 2015년 1월부터 7월까지 한 달에 한 번, 총 7회 진행된다. 영화, 공연, 미술 등 여러 분야에서 활동하며 우리와 함께 이 시대를 살고 있는 예술가들이 지금 이 시간들을 어떻게 보고, 듣고, 생각하고 있는지 들어본다. ‘컨템포러리 토크’에 참여하는 아티스트들의 작품은 2015년 9월 아시아예술극장 개관페스티벌에서 만날 수 있다.


What is Contemporary?
What is the Contemporaneity of an Artist?

Contemporary Talk is a free lecture program where we hear the current concerns and visions of artists, programmers, and curators leading the contemporary performing arts scene. It runs once a month from January to July 2015, for a total of seven sessions. We listen to how artists, who are active in various fields such as film, performance, and visual arts, and who live in this era with us, see, hear, and think about these times.

The works of the artists participating in Contemporary Talk can be seen at the opening festival of the Asia Arts Theater in September 2015.

– 국립아시아문화전당 홈페이지 강연 소개글

(줄리엔 로어츠)
오늘 특이한 부분 중 하나는 김성환 작가가 영어를 사용한다는 점이에요. 분명히 그가 한국말을 유창하게 함에도 어쩌면 이게 우리가 답해야 할 첫 번째 질문일 수도 있겠네요.

(김성환)
왜냐면 그 편이 저희 둘이 이야기를 나누기 훨씬 쉽고, 편하기 때문이죠. 이건 저와 줄리엔 로어츠씨 사이의 대화이기 때문입니다. 제 작업에서, 저는 원래 한국어와 영어, 두 언어를 같이 쓰고, 가끔은 서너 개의 언어와 자막을 씁니다. 예를 들어 ‘강냉이 그리고 뇌 씻기’ 같은 경우, 어떤 나라에서는 이 이야기를 전혀 알지 못하는 관객한테 선보여야 하고, 어떤 나라에서는 세대별로 이 이야기를 아는 세대와 모르는 세대가 같이 있을 때도 있습니다. 저는 항상 ‘어떤 이야기나 정보를 어떤 언어로 누구에게 이야기하는가’라는 맥락을 고민하며 작업합니다.

(줄리엔 로어츠)
좀 더 나아가자면, 서로 다른 문화나 맥락 또는 세대나 경험들의 통역이라고 볼 수 있을까요?

(김성환)
그렇죠. 예를 들어 아까 영상에서 오른쪽과 왼쪽에 두 개의 자막을 사용했는데요. 둘 다 제가 쓴 것입니다. 그래서 이걸 번역이라고하긴 힘들죠. 이 텍스트들은 시적인 리듬을 가진 시적인 문장들이죠. 그리고 (영역이) 제한돼있기 때문에, 한 행에 몇 단어가 들어가는지 생각해야 합니다. 하나의 양식 같은 것이죠. 하지만 그와 동시에 이 텍스트가 말해져야 하기 때문에, 자막이 제공된 상태에서 어떤 언어로 말을 할 것인가 선택의 문제가 있게 됩니다. 저는 이런 운용이 흥미롭습니다. 이는 지금의 상황이랑은 매우 다르죠. 그래서 지금 약간 혼란스러워지는데요, 지금 제가 줄리안 로어츠씨에게 이야기를 하고 있는데, 동시에 옆에 있는 통역자에게 이야기하는 것 같기도 합니다. 어쨌거나 이런 대담에서 생겨나는 딜레이가 있습니다.

(김성환)
릴케 같은 경우는 프라하에 살면서 독어로 작업했습니다. 그런 상황에서 어떤 언어를 공식적으로 사용할 것인가의 문제가 있습니다. 그렇지만 그 시간대가 지금 입장에서 동시대적이거나 현대적이라고 말하기는 힘들고요. 독일 같은 경우에는 몇십 년 전에 광부나 간호사로 일하기 위해 독일로 가셨던 분들의 자녀가 많이 살고 있는데, 뉴욕 같은 경우는 물론 여러 가지 직업이 있겠지만, 식당이나 세탁소 같은 경우에 주로 한국인이 운영하는 곳이 많습니다. 요즘 베를린이나 뉴욕을 보면 한국 사람들이 그곳에 이민을 가는 이유가 굉장히 달라졌습니다. 사람들이 다른 곳으로 이주하는 동기는 시대마다, 세대마다 다릅니다. 그리고 그러한 이주민들이 다시 자녀를 낳을 때 (제 조카처럼) 그 자녀들이 그 장소에서 다시 살아간다는 것은 어떤 의미인지, 그런 것들에 관심이 있습니다.

(줄리엔 로어츠)
아시아 예술 극장에서 다음 프로젝트를 진행하게 될 텐데,어떤 면에서 극장이 전시공간과 다르다고 생각하는지, 그리고 어떻게 이런 요소들 – 영상, 음악, 공연이 함께 어울릴지 들어보고 싶습니다.

(김성환)
제게 익숙한 공연 공간은 – 왜냐면 제 공연이 그동안 미술관에서 이루어져 왔기 때문에, 관람객들에게 많은 자유가 있는 열린 공간입니다. 설치작품 같은 경우에는 관람객들이 가까이 가서 어떤 재료를 썼는지, 어떤 규모인지 등을 매우 자세히 살펴볼 수 있죠. 저는 극장, 프로시니엄 무대에 관심이 있었습니다. 관객이 특정한 것들로 규정되는 되는 이런(두산아트센터) 공간 말이죠. 이런 공간에서는 관객들이 건물 구조에 의해 규정됩니다. 관객들은 한 방향의 시각과 관점밖에 가질 수 없죠. 만약 제가 고개를 이렇게 돌리면, 저분은 공연 내내 제 귀만 볼 수밖에 없을 겁니다. 저는 이러한 위계질서에 관심이 있는데요. 이미 객석에 위계가 있다는 것입니다.

또 다른 생각으로는 시간의 문제가 있겠네요. 전시에서는 관람객이 어디에 가고 싶은지 정할 수 있고, 또한 원하는 만큼 머무를 수도 있죠. 물론 극장에서도 그렇게 할 수는 있지만, 어떤 면에서는 조금 더 제약적이기 때문에 다르다고 할 수 있죠. 저는 때로 공연계와 미술계 사이의 긴장이 있다고 생각합니다 극장도 관객이 나갈 수는 있지만, 굉장히 힘들죠. 사람들을 비집고 나가야 하고, 보통 극장을 중간에 떠나시는 분들을 보면 몸을 숙이고 티 내지 않고 나가려 합니다. 떠나는 것처럼 보이길 원치 않죠. 미술공간은 쉽게 떠날 수 있습니다. 익명의 사람이 될 수 있죠. 그런 점에서 극장이라는 공간은 굉장히 흥미롭습니다. 이런 관점에서는 관객들이 더 큰 권력을 가지고 있기 때문입니다 공연자와 관객 사이에는 그런 긴장이 있습니다.

제 생각에 공연의 흥미로운 요소 중 하나는 무대라는 공간에서 무언가를 실제로, 라이브로 보여줄 때 사람들이 그걸 믿지 않는다는 겁니다. 만약 제가 무대에서 누군가를 일으켜 세워 나와보라고 한 뒤, 관객들에게 보여주며 ‘이 사람은 진짜 현실의 인물입니다’라고 한다면 사람들은 믿지 않을 겁니다. 미리 계획된 것으로 생각하겠죠. 무대에서 오직 진실인 것은 인위성이고, 연극은 이 점을 더욱 두드러지게 드러냅니다. 저는 이것이 매우 흥미로운 지점이라고 생각합니다. 미술 세계에서는 만약에 뭔가를 보여주면서 ‘이것이 금이다. 이 금의 가치를 살펴보자’라고 할 때 이것이 금이다라 것에 대해서는 의문이 없습니다. 예술가는 그것의 가치나 진실, 현실에 대해 의문을 던지지만, 하지만 기본적으로 ‘이것은 진짜 금이다’라는 맥락은 질문하지 않습니다. 하지만 제가 여기 무대 위에서 금을 보여준다면 그것이 아무리 실제 금이라고 하더라도 아무도 실제 금이라고 믿지 않으시겠죠.