국립현대미술관 MMCA
층과 사이 | 윤세희
2017
Client 국립현대미술관 MMCA
Project 층과 사이 | 윤세희

윤세희, <공간 속 시선>, 드라이포인트, 70x180cm, 2007, A.P, 작가소장

국립현대미술관 과천관
층과 사이
학예연구사 | 최희승
참여작가 | 윤세희, 박정혜, 이윤엽, 노상화, 김동기, 배남경 외 50여명
2017.9.1-2018.4.29

National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea (Gwacheon)
LAYERS AND SPACES
Curator | Choi Heeseung
Artist | Yun Sei Hee, Park Jung Hae, Noh Sangho, Lee Yun Yop, Kim Dong-Ki, Bae Nam Kyung with 50 artists
2017.9.1-2018.4.29

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크레딧:
감독 : 이미지(57STUDIO)
촬영,조명: 엄준호

촬영팀: 이규연
편집 및 DI: 이미지
자막: 안재영

작업 소개

57STUDIO는 국립현대미술관 《층과 사이》 전시를 위해, 참여 작가 중 선정된 6인의 인터뷰를 바탕으로 한 작품 소개 영상을 기획 및 제작하였습니다. 이 영상은 전시장 내에 설치된 액자형 패널을 통해 상영되었으며, 대규모 전시에 참여한 50여 명의 작가 중 6명의 작가가 판화의 현재를 대표해 소개하는 구성을 취했습니다.

《층과 사이》 전시는 한국 현대판화의 어제와 오늘을 살펴보는 자리로, ‘층’과 ‘사이’라는 개념을 통해 판화 매체의 고유성과 확장 가능성을 탐색하였습니다. 57STUDIO는 선정된 작가들의 작업 세계와 판화에 대한 태도를 생생한 인터뷰와 작품 화면으로 담아내어, 관람객이 현대판화의 흐름을 입체적으로 이해할 수 있도록 구성하였습니다.

57STUDIO planned and produced an artist introduction video for the National Museum of Modern and Contemporary Art’s exhibition LAYERS AND SPACES, featuring interviews with six selected participating artists. The video was screened through frame-shaped panels installed in the exhibition space, with the six artists representing the present landscape of printmaking among over fifty participating artists.

LAYERS AND SPACES explored the past and present of Korean contemporary printmaking, highlighting the unique characteristics and expanding possibilities of the medium through the concepts of “layer” and “space.” 57STUDIO captured the selected artists’ practices and perspectives on printmaking through vivid interviews and artwork footage, creating a multidimensional experience for viewers to better understand the evolving field of contemporary printmaking.

Installation View


참여작가 인터뷰 Artist Interviews
2017, single channel video, color

Screenshot

| 작가 윤세희

안녕하세요. 저는 판화작업으로 새로운 도시의 조형 이미지를 만들어내는 작가 윤세희입니다.
저는 도시 이미지를 작업으로 표현하고 있는데요.

그 도시 이미지들이 여러분이 살고 있는 공간들처럼 보일 수 있지만, 또 각자 다른 시선들을 가지고 있거든요. 또 우리가 보이는 것이 다가 아닐 수 있잖아요.

곤충이라든지, 물고기라든지 또 동물이라든지, 그런 것들이 똑같이 도시를 봤을 때 보일 수 있는 그런 도시의 새로운 시각이라든지, 변형된 새로운 도시의 공간이라든지, 그러한 공간들을 제 작업으로 풀어내려고 많이 노력하고 있고요.

현재는 드라이포인트 말고도 회화라든지, 판화로서의 키네틱아트, 입체 판화 등 평면적인 도시 이미지들을 조금 더 입체적으로 또는 활동적으로 여러 가지 매체들을 도입해서 현재는 작업을 하고 있습니다.

| 작업의 재료와 과정: 사진에서 판화로

저는 작업을 할 때 사진을 가장 기본적인 재료로 사용하고 있습니다.무작위로 공간에 대해서 제가 분할해서 사진촬영을 하고 있고요. 그 다음에 이제 제가 머릿속으로 상상이 되는 도시풍경을 완성하기 위해서 이 공간과 다른 공간을 연결하기도 하고 또는 제가 마음에 들지 않는 공간을 없애기도 하고 또는 저만의 공간을 제가 다시 재탄생 시키기도 하거든요.

마치 신적인 입장이 됐다고 생각을 하면서 그 공간들을 다시 재배치하고, 그 재배치한 것들을 이제 그림으로 그려나가면서 순간 느껴지는 감각적인 것과 생각들(로부터) 다른 형태의 도시로 만들어 준다든지 그런 식으로 저만의 이제 도시 작품을 만들고 있습니다.

| 작업의 재료와 과정: 드라이포인트 판화

드라이포인트 기법은 15세기 후반에 서양에서부터 이제 시작된 기법인데요. 이 드라이포인트 기법은 동판 위에 쉬운 용어로 송곳 같은 것으로 그림을 그리듯이 힘을 줘서 스크래치를 내면서 파내려 가는 것이거든요. 하얀색 종이에 연필로 그리는 것처럼 동판 위에 송곳으로 홈을 만들어가면서 그림을 그리신다고 생각을 하면 되고요. 정말 물리적인 힘으로만 손의 감각으로만 작업을 하는 기법이 드라이포인트 기법입니다.

연필이나 이런 것보다 세밀한 니들 같은 것으로 작업을 하기 때문에 가장 모든 것을 다 표현해낼 수 있는, 가장 세밀하게 표현해낼 수 있는, 판화기법이라고 생각이 되어집니다.

제가 성격이 너무 급하다 보니까 에칭이나 부식기법을 이용해서 오목판화를 하는 경우도 있는데요.그런 경우는 부식통에 동판을 담가놓고 좀 오래 기다리면 그 스크래치가 난 부분이 화학적으로 움푹 파여져서 나오거든요. 그 부식통에 담가놓고 기다리는 시간을 (가지질) 못해요. 그래서 저는 정말 너무 힘들지만 그냥 앉아서 이렇게 계속 무엇인가 작업을 하고 그렇게 이제 힘들게 만들어진 도시의 공간이 작품으로 나왔을 때, 그 매력은 사진이나 그냥 그림으로 그렸을 때보다 훨씬 더 매력적인 느낌을 받기 때문에 계속 진짜 무슨 마법에 걸린 것처럼 계속 드라이포인트 작업으로
저만의 새로운 도시 공간을 다시 재구성하고 새롭게 계속 만들어내고 있습니다.

저의 힘으로 힘들게 만들어진 그 건물 자체에 대한 만족도도 정말 큰 것 같아요. 그리고 제가 기본적으로 사진을 사용해서 그것을 재료로 이용해서, 작품으로 그냥 편집만 해서 작품으로 표현해낼 수도 있지만 드라이포인트가 가지고 있는 그런 오리지널리티의 손맛이라든지 따뜻한 선의 느낌은 디지털이나 그런 사진 같은 것에서는 느낄 수 없는 부분이라고 생각되어지거든요.

도시의 이미지가 조금 더 사람들이 살고 있는 공간을 더 백 프로 잘 표현할 수 있는 기법이 아닌가 생각해서 저는 아직도 드라이포인트 기법으로 도시 작업을 하는 것을 계속 목표로 하고 있습니다.

| 작가의 도시

제가 예전에 살던 곳은 일산이라는 곳에서 살았거든요. 그곳은 이제 물론 저희 집은 아파트였지만 주위가 산과 아침에 일어나면 뻐꾸기 소리가 들리고, 약수터로 물을 뜨러 가기도 하고, 그런 곳에서 살았었어요.

그런데 어느 날 그 지역이 재개발되면서 어느 순간 그 산과 논과 들이었던 곳들이 다 도시로 바뀌어 있는 것이에요. 그런데 저는 내가 당장 내일 죽을 수도 있다는 그런 무서움을 느꼈었어요.사람들이 들어 와서 살지 않은 상황이었기 때문에 그 도시 그 건물들 사이사이의 이미지들이 굉장히 무섭고 삭막하게 느껴졌었거든요. 현재 저는 도시 속에서 살다 보니까 이제는 제가 그 도시들을 무서움으로 느끼는 것이 아니라 또 그 무기체적인 것이 아니라 유동적으로 도시의 라인들이 움직이면서 새로운 제2의 자연을 형성해 내가고 있다고 생각이 되어지거든요.

그 건물들이 하나하나 우뚝우뚝 솟아나면서 도시가 이렇게 유생물처럼 이렇게 새롭게 변화된 모습,그 안에서 또 새로운 자기들의 조형적인 이미지를 찾아 나가고 있는 것 같아요.

그렇게 변해버린 도시가 너무 무섭게 느껴졌었는데 이제 제가 살아가면서 도시 공간 속에서 많이 살기도 했고 어린 시절부터 많은 경험을 하게 되잖아요. 살아온 과정들이 그 도시에 축적돼 있기 때문에 그렇게 무서웠지만 그런 것들이, 그 도시들이 지금 현재는 뭐 가장 따뜻한 곳으로 느껴지는 것이 아닌가 싶습니다.

| 도시의 시선

제가 그림을 그릴 때 제일 좋아하는 부분이 고물상 같은 것을 표현해내는 것을 되게 재미있어 하는데 조형적으로 사람들에게 아름답게 느껴지는 그런 소재라든지 공간은 아니잖아요.

작품 안에서 제가 그것들한테 다시 생명을 불어넣어줘서 이런 공간도 이렇게 예쁘게 표현될 수 있구나 이렇게 제가 제시를 해드리면 버려진 것들을 다시 한 번 되새기게 되고, 순간적인 찰나, 또는 기억 그리고 예전의 그 공간에서 ‘아, 내가 무엇인가 했었는데’ 그런 추억들도 여러분한테 만들어 드리는 거 같기도 하고 그래서 계속 도시 작업을 하고 있기도 하고요.

여러 가지 시각으로 또는 여러 가지 방법으로 작품으로서 제시해드리고 싶은 제 욕심이 제 작업으로 이어지고 있는 것 같습니다.

Archive Note

프로젝트 소개글

층과 사이는 국립현대미술관의 판화 소장품을 중심으로 한국현대판화의 어제와 오늘을 살펴보는 전시이다. 전시 제목에서의 ‘층’은 판화에서 작가의 화폭이 되는 판(plate)을, ‘사이’는 판 위에 새겨지거나 남겨진 틈, 즉 판화를 가능하게 만드는 틈새들을 상징하고 있다. 전시는 이처럼 매체의 골격을 이루는 두 요소를 축으로 판화의 고유한 특성을 살펴보고, 이것을 각각 ‘겹침(layers)’과 ‘중간지대(spaces)’라는 개념으로 확장시키고자 한다. 층과 사이에서 소개하는 국내 작가 50여 명의 150여 점에 이르는 작품을 통해 시대의 변화 속에서도 독립적인 예술세계를 구축하기 위한 작가들의 끈질긴 매체 탐구와 그것이 예술가의 태도로서 발전하는 과정을 확인할 수 있다.

5, 6전시실에서 이루어지는 이번 전시는 크게 4가지 주제로 구성되어 있다. 한국현대판화의 출발을 살펴보는 ‘1950s~1970s: 한국현대판화의 태동과 전개’, 아카데미와 민중미술이라는 양쪽 방향에서 두각을 드러낸 ‘1980s: 판법의 발달과 민중 목판화 운동’, 급격하게 발단한 미디어의 파동 속에서 판화의 판화의 실험적 성향을 읽어낼 수 있는 ‘1990s~현재: 미디어 시대에 나타난 판화의 독창성’, 마지막으로 동시대 미술 안에서 판화의 위치를 고찰해보는 ‘판화와 판화적인 태도 사이에서’가 그것이다. 각 주제별로 전시된 작품들은 한국현대판화의 역사와 현실을 반영하고, 전시실에 함께 마련된 판화 디지털 돋보기, 판화 스튜디오는 더욱 다양한 방식으로 판화를 경험하도록 돕는 역할을 한다.

밑그림, 제판, 인쇄의 3단계의 과정을 거치는 판화는 오늘날 컴퓨터그래픽의 비약적인 발달과 3D 프린터를 비롯한 프린트 기술의 고도화로 인해 계속해서 새로운 국면을 맞이하고 있다. 현재 우리가 주목해야 할 것은 그림을 찍어내는 기술로서의 판화가 아닌, 예술가들이 판화라는 특수성을 대하는 태도일 것이다. 회화나 조각과는 다르게 복수성과 우연성, 간접성을 전제로 하는 판화를 작가들은 어떻게 마주해왔으며, 우리는 어떻게 바라보아야 할까? 층과 사이는 티셔츠부터 휴대전화, 아파트에 이르기까지 에디션(edition)의 세상에서 살고 있는 우리에게 판화라는 이름의 무한한 가능성을 떠올려볼 수 있는 기회가 되어줄 것이다

출처 : 국립현대미술관 전시 소개글