작업 소개

최하늘 작가의 작업실(금천예술공장)에서 진행한 인터뷰를 바탕으로 작가의 작업 모습과 전시장 내 설치 풍경을 함께 담았다.

최하늘 작가는 스스로 ‘조각가’라고 부르는 작가입니다. 조각이라는 큰 주제가 작가에게 굉장히 중요하고 최하늘 작가는 자신이 가진 다양한 주제를 조각이라는 입체로 표현하고 있습니다. 특히 이번 전시에서는 <초국가적>이라고 하는 시리즈로 구성된 8작품과 10개의 작품을 보실 수가 있는데요. 서울의 풍경 그리고 자신을 둘러싼 어떤 도시들 그리고 거기에서 계속 끊임없이 변화하고 있는 어떤 분위기와 사회의 시류 같은 것들을 최하늘 작가는 낯설면서도 속도감 있고 변화무쌍한 방식으로 풀어내고 있습니다.

– 최희승 큐레이터

《젊은모색 2019: 액체 유리 바다》전은 국립현대미술관의 전시 프로그램인 ‘젊은모색’의 19번째 전시이다. 1981년 《청년작가》전으로 출발한 《젊은모색》전은 한국 신진 작가들의 실험적이고 도전적인 작품 세계를 조명하며, 국내 동시대 미술의 경향과 잠재력을 예견해보고자 마련되었다. 이번 《젊은모색 2019》전은 미술관 학예사들의 조사, 연구 및 추천과 다수의 회의를 통해 주목할 만한 신진 작가 9명 김지영, 송민정, 안성석, 윤두현, 이은새, 장서영, 정희민, 최하늘, 황수연을 선정하였다.

이번 전시의 부제인 ‘액체 유리 바다’는 서로 다른 주제와 매체를 각자의 개성으로 다루는 참여 작가 9 명에게서 발견한 공통의 키워드이다. 이는 단어 사이의 틈새 같이 완결된 문장으로 매듭지을 수 없고 특정한 개념으로 정의 내릴 수 없는 동시대 한국 작가들의 자유롭고 유동적인 태도를 상징한다. 또한 단단하면서 섬세한 액정유리 같이 현실 안팎의 장면들을 더욱 투명하고 선명하게 반영하는 젊은 작가들의 성향과, 끊임없이 율동하는 너른 바다처럼 미래에도 멈추지 않는 흐름으로 존재하게 될 그들의 가능성을 의미하고 있다.

전시에서 소개하는 9 명의 작가들은 미디어의 이미지, 게임, 브이로그, 스마트폰 앱, 유튜브 등에서 발견한 특성이나 정서를 끌어들여 사회적인 이슈, 시대적인 고민과 정면 대결하기도 하고, 인터넷의 파도에 몸을 맡겨 함께 떠다니기도 한다. 또한 물질과 형태, 신체와 시간, 스크린의 내·외부 등에 대한 탐구를 독자적인 언어로 전개한다. 우리는 이번 전시에서 만나게 될 작가들의 작품을 통해 언제나 새로움을 향해 나아가고, 힘겹더라도 포기하지 않는 작가들의 의지와 마주할 수 있을 것이다. 그리고 이들과 함께 ‘바로 지금’을 통과하고 있는 우리에게 이번 전시가 세대의 물결을 감지할 수 있는 촉매제가 되어주기를 기대한다.

출처 : 국립현대미술관 전시소개 글

물질을 제 앞에 가만히 있는 것이라고 상정하고, 그것을 제가 어떻게 가지고 놀 수 있을지 고민하는데 조각의 매체적 특징, 형식적인 내용, 혹은
내용적인 특징을 모두 포괄합니다. 하나의 주제에만 집중해서 바라보는 것이 아니라 제가 늘 표현하는 방식이지만, 조각들을 가운데 두고 이것들을 둘러보면서 다른 것들과 결합시키거나, 아니면 잠깐 그 조각의 위치에서 조각을 빼오기도 하고 그런 방식으로 작업을 확장시켜 가고 있습니다.

Assuming matters as something motionless, I think about how I can play and explore them. This goes for the nature of the sculptural medium, and its formal content and conceptual aspect. I expand my practice through different ways, such as putting the sculptures in the center, then observing them and integrating them with other things, or temporarily removing the sculpture away from its site.

자기만의 고유한 시그니처 양식을 갖춰야 된다는 압박을 받는데, 이를테면 어떤 작가 하면 어떤 작업이 이렇게 바로 떠올리는 이미지가 있습니다. 오히려 제가 중점을 두는 부분은 어떻게 나의 고유한 영역을 확보할 수 있을지가 저한텐 더 중요한 문제고, 그런 점에서 이번 전시의 작업은 기존에 제가 미술사를 레퍼런스로 삼는 점과 조각 자체를 레퍼런스로 삼는 점에서 한가지 다이어그램을 더 가지고 왔습니다. 그것이 바로 제가 살고 있는 동시대 한국, 서울입니다.

There’s a pressure for artists to have their own signature style, as if an image of an artist’s work should conjure up when you hear their name. What’s more important for me is how I can set aside my own territory, and in that sense, my work in this exhibition uses art history and sculpture itself as a reference but also another point of reference: Here and now in Seoul, Korea, where I live.

여성 조각가들의 케어링이라고 하는 그 입장에 저는 굉장히 감명을 받았습니다. 새로운 조각 방식, 제작 방식을 만들 수 있지 않을까 라는 고민에서 저는 육아라는 방식을 동원을 해서 지속적으로 진행을 하고 있고 이번 작업에서도 등장합니다. 조각을 하나의 키워야 되는 대상으로 취급을 하는 (그런) 입장이 계속 드러나고 있고, 제가 일부러 (어떤) 명확한 명제를 잡지 않는 것은 ‘명확한 것’이라는 것에 불만이 있기 때문인데, 그렇다면 저는 여기서 어떤 방식을 취할 수 있느냐 미술을 계속하기 위해서는 저도 어떤 입장을 가져야 되는데 어떤 입장을 취하느냐 라고 물었을 때 저는 이제 연기라는 단어를 쓰고 있습니다.

I’m very impressed by how female sculptors take ‘care’ of their work. For me, contemplating on new sculptural methodology and techniques is very similar to constant childbearing, which is also evident in this work. I treat sculpture as a subject to be taken care of. I don’t hold onto a certain definite proposition because I’m pessimistic towards ‘things that are definite’. Then the question becomes what position I must take as an artist, and now, I use the word ‘acting’ to describe the position that I’m taking.